lo .que .veo

Ideado en Nueva York en el 2006 por el colectivo de arte público colaborativo Illegal Art, que persigue el propósito de crear arte público interactivo que inspire al auto reflejo del ser humano, al pensamiento y la conexión humana, surge el proyecto Lost & Found. En dicho proyecto y mediante la participación del público, éste se refleja en la obra: a través de un número de teléfono facilitado en la web puedes dejar un mensaje de voz pidiendo la colaboración ciudadana para encontrar un objeto que hayas perdido. Del mismo modo, si has encontrado algo que no te pertenece, puedes dejar el mensaje de igual manera.

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Michelle Blade es una pintora californiana con una obra pictórica muy particular y muy misteriosa: comunidad, unión, ensoñamiento, deslumbramiento… son algunos de los temas que repetitivamente expresa en sus obras. El aire libre y el uso de los elementos (tierra, agua, fuego y aire) se encuentra en todos sus lienzos sin producir cansancio ni estancamiento. Al contrario, cada obra recoge un momento de unión para el espectador entre la madre naturaleza y los personajes representados, manejando perfectamente el espacio y creando el ambiente necesario para transportarnos. Fijaros en su pintura dentro de una cueva con un excursionista en primer plano que contempla, como nosotros, el entorno. También la podemos seguir a través de su blog.

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En 1970, el artista holandés Bas Jan Ader utilizó el título superior para una de sus obras que consistía en ponerse delante de la cámara y grabarse a sí mismo en estados de tristeza. Echad un vistazo a esta pieza directamente en la web del artista. En el 2007, la artista Jessica Williams criada en Texas y nacida en Alaska, reutilizó el trabajo de Bas Jan Ader gracias a la comunidad de Flickr pidiendo a todo aquel que quisiera participar enviando fotos personales en momentos de tristeza, melancolía, etc… El trabajo final de dicho proyecto creó una página web y un libro que recoge toda una serie de fotografías de personas llorando delante de la cámara.

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Fantástica la exhibición fotográfica que organiza Foam en estos momentos. Por un lado, tenemos a la fotógrafa americana Taryn Simon que nos muestra en una serie de piezas que cuidadosamente ha ido recogiendo por todo su país. La temática que la cubre son cuestiones que no llegamos a ver o que no nos son familiares en nuestro entorno más cercano. Utilizando la fotografia como herramienta, se acerca a un espectro de imágenes comprometedoras: la unidad de cryoperservación del estado de Michigan donde se encuentran almacenados los cuerpos congelados de personas que voluntariamente se han sumado a este programa con el fin y esperanza que algún día la ciencia pudiera desarrollar la medicina necesaria para sus enfermedades o la unidad de cuarentena aviar de Nueva York donde se mantienen a todo pájaro importado de fuera de USA y Canada en incubadoras durante 30 días. Así mismo, la exposición principal que recoge el centro gira entorno al legendario fotógrafo Weegee mostrando una extensa colección de fotografías tomadas por él mismo de accidentes, asesinatos, escenas de crimen en la ciudad de Nueva York durante la década de los 30 y 40.

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Tobias Rehberger está presente mediante una serie de objetos, instalaciones y pinturas. Este alemán transmite en sus obras un específico interés por la razón por la que un objeto existe ya que afirma que la existencia del mismo se debe a algo más. El objeto no es solamente de interés por su propia existencia sino que sirve como extensión o herramienta de otra cosa. En 1996, pidió a sus amigos que describieran como sería una habitación de sus casas que transmitiera exclusivamente calma y relajación. Basadas en las respuestas que obtuvo, diseñó un número de habitáculos con las piezas de mobiliario recomendadas. Tres años más tarde, rehízo dichos habitáculos pero con los colores y diseños que recogía las tendencias de ese momento. En el 2009, el artista realizará la tercera y obra final.

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De entre todos los artistas que he visto en esta exposición, me marcó el trabajo fotográfico (nueve fotografías) del fotógrafo de Detroit Nicholas Nixon. A través de la serie Three Brown Sisters, consigue cerrar en su obra un triángulo basado en tiempo, relaciones personales y los nexos de unión. Desde 1975, el artista fotografió a su mujer y a sus hermanas a lo largo de 30 años utilizando una cámara de gran formato y variando únicamente la localización de las mismas (playa, porche de una casa, etc..) pero siempre manteniendo a los miembros de la familia en el mismo orden. El impacto del tiempo y la tranquilidad que emiten las imágenes “explican” lo que observas.

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